Conversación con el coreógrafo detrás de los movimientos escénicos

En las últimas décadas, el lenguaje del cuerpo ha cobrado un protagonismo renovado dentro de la escena teatral contemporánea. Los movimientos escénicos dejaron de ser un adorno visual para convertirse en una herramienta narrativa capaz de sostener diálogos, revelar emociones y construir personajes sin necesidad de palabras. En esta entrevista exclusiva para La Sede Net, conversamos con un coreógrafo cuya trayectoria ha marcado la manera en que muchos creadores entienden la relación entre movimiento y dramaturgia.

A lo largo del diálogo, el artista comparte los orígenes de su vocación, los métodos que aplica para dar vida a cada secuencia corporal y las reflexiones que han surgido a partir de sus trabajos más recientes. Quienes se interesan por la dirección de actores, la composición física del espectáculo o la pedagogía del cuerpo encontrarán aquí un mapa de ideas, errores y descubrimientos surgidos tras años de ensayos, giras y funciones.

Los primeros pasos en el escenario

El coreógrafo recuerda que su acercamiento al teatro ocurrió durante la infancia, cuando participaba en talleres escolares donde el movimiento era la única vía para contar historias. Esa primera sensación de libertad física se transformó con el tiempo en una disciplina rigurosa. Aprendió a leer partituras corporales, a descomponer el gesto en unidades mínimas y a leer el espacio como un material más de la composición escénica.

Su formación se nutrió de academias, maestros independientes y temporadas de observación en festivales internacionales. Precisamente, durante una residencia creativa colaboró en una pieza que más tarde se presentó en un ciclo sobre estadísticas de público, donde pudo medir el alcance de sus primeras propuestas coreográficas y entender cómo el público respondía a un lenguaje corporal todavía en formación.

El proceso creativo entre cuerpo y texto

Cuando se le pregunta por su método de creación, el coreógrafo insiste en que no existe una fórmula única. Cada obra exige una escucha distinta del texto dramático, de los actores involucrados y del equipo artístico. Antes de proponer cualquier secuencia, dedica semanas a observar ensayos, conversar con el director y estudiar la psicología de cada intérprete, pues el movimiento nunca debe imponerse desde fuera, sino nacer de una necesidad dramática concreta.

Una de sus herramientas favoritas es la improvisación estructurada. Propone a las actrices y actores partir de una emoción, una imagen o un recuerdo, y dejar que el cuerpo busque su propia traducción al escenario. Después, selecciona los fragmentos más poderosos y los convierte en frases coreográficas que dialogan con el texto. Este ida y vuelta entre espontaneidad y construcción distingue, a su juicio, una coreografía viva de una meramente decorativa.

Los retos de montar coreografía con recursos limitados

El presupuesto ha condicionado buena parte de sus decisiones estéticas. En varias ocasiones ha tenido que resolver secuencias complejas con muy poco dinero, lo que le obligó a pensar la coreografía de manera imaginativa. Para quienes atraviesan situaciones similares, recomienda explorar la guía sobre cómo montar una obra de teatro con bajo presupuesto, donde se comparten estrategias prácticas para optimizar recursos sin sacrificar la calidad del trabajo corporal.

Entre sus trucos menciona el uso de vestuario neutro transformable, la creación de iluminación a partir de focos reciclados y la exploración de músicas libres de derechos. Esta filosofía, asegura, no solo abarata los costes, sino que obliga a una escritura coreográfica más depurada y honesta con las posibilidades reales del elenco.

Influencias que nutren el movimiento

Al hablar de sus referentes, el coreógrafo menciona tanto a pioneros de la danza moderna como a creadores contemporáneos que han expandido los límites del cuerpo en escena. Cita a Pina Bausch, Jerome Robbins y Ohad Naharin como pilares teóricos, y rescata el trabajo de colectivos que mezclan teatro físico con teatro de objetos. En esa línea, reconoce la vitalidad de propuestas como las que difunde Puppet24, un espacio dedicado al teatro de títeres que le ayudó a entender la materialidad del cuerpo y la frontera entre lo animado y lo inanimado.

Concede una importancia enorme a las tradiciones escénicas no occidentales. Ha estudiado técnicas de teatro físico de Japón, danzas rituales de África Occidental y prácticas corporales de comunidades indígenas latinoamericanas. Esa diversidad enriquece su paleta y le permite huir de un vocabulario único que pueda resultar repetitivo.

El fracaso como parte del camino

El artista no oculta que varios de sus proyectos iniciales no lograron el impacto esperado. Recuerda temporadas donde el público no conectó con la propuesta, funciones donde la coreografía no acompañó al texto y residencias creativas que terminaron antes de tiempo por falta de financiación. En lugar de lamentarse, considera esas experiencias como un aprendizaje invaluable. Para quien atraviese un momento similar, sugiere acercarse a testimonios como el de Fracaso Yotuve, donde se reflexiona sobre cómo transformar el tropiezo en motor de crecimiento artístico.

Añade que aceptar el fracaso implica revisar los propios esquemas. En su caso, los errores le empujaron a diversificar su lenguaje, a confiar más en el proceso que en el resultado inmediato y a cultivar una paciencia que antes le faltaba. El escenario enseña, también, a levantarse sin perder la dignidad creativa.

Mirada hacia el futuro y nuevos lenguajes

En la parte final del diálogo, el coreógrafo adelanta que prepara una pieza que explora la relación entre coreografía, realidad virtual y participación del público. Trabajan con tecnólogos, músicos y dramaturgos para construir una experiencia donde el público se integra al movimiento de la obra y deja de ser un espectador pasivo.

También anuncia el lanzamiento de un laboratorio abierto a jóvenes creadores, donde se compartirá su metodología de trabajo y se experimentará con nuevas herramientas pedagógicas. Su deseo es devolver a las nuevas generaciones parte de lo que recibió de sus maestros y seguir aprendiendo de quienes llegan con miradas frescas. El movimiento escénico se renueva, afirma, gracias a quienes se atreven a cuestionar lo establecido.

Si esta conversación despertó tu interés por la coreografía teatral, te invitamos a explorar la programación de La Sede Teatro y a sumergirte en los vídeos, obras y series disponibles en La Sede Net. Descubre otros diálogos con creadores, accede a funciones en vivo y forma parte de una comunidad que celebra el cuerpo como lenguaje esencial del arte escénico.