A los setenta también comienza la función

A los setenta años, Mateo Salvatierra pisó un escenario por primera vez con el pulso acelerado y una serenidad inesperada. No llegaba para cumplir una asignatura pendiente ni para demostrar que la edad carecía de importancia. Llegaba porque, después de décadas de trabajo administrativo y responsabilidades familiares, había encontrado una escena donde su voz podía tener otro destino.

Su debut llamó la atención por una razón sencilla: no parecía una imitación de la juventud. Mateo no intentaba moverse como alguien de treinta años ni esconder sus pausas. Convirtió la experiencia, las pérdidas y la observación acumulada en herramientas interpretativas. Cada gesto contenía una historia que el público podía reconocer.

En esta conversación, el actor habla de su primer personaje, de los nervios antes del estreno y del aprendizaje que supone comenzar una carrera artística cuando muchos creen que ya ha pasado el momento. Su relato también abre una reflexión sobre la formación teatral, la memoria y la posibilidad de reinventarse en cualquier etapa.

La entrevista puede leerse como un retrato íntimo y como una invitación a mirar las artes escénicas desde otro ángulo. El escenario no pregunta cuántos años tiene una persona antes de escucharla; pide presencia, escucha y disposición para atravesar una historia frente a los demás.

El instante en que decidió actuar

Mateo cuenta que la idea apareció durante un taller de lectura dramatizada en un centro cultural de barrio. Había acudido para acompañar a una amiga, pero terminó leyendo un monólogo breve. El director del taller le señaló que tenía una forma particular de sostener los silencios, como si cada pausa estuviera llena de pensamiento.

Durante años había asistido al teatro como espectador ocasional. Le interesaban las obras de cámara, los textos con pocos personajes y las interpretaciones capaces de transformar una habitación en un mundo completo. Sin embargo, nunca se había imaginado participando en una función. La invitación a continuar en el grupo le produjo temor, aunque también una sensación de oportunidad largamente aplazada.

“Pensé que todos notarían que era principiante”, recuerda. “Después entendí que nadie llega al escenario sabiendo cómo respirar dentro de un personaje”. Esa comprensión le permitió aceptar la vulnerabilidad del comienzo y trabajar sin exigir resultados inmediatos.

Prepararse cuando la vida ya ha enseñado

El personaje de su debut era Julián, un viudo que debía regresar a la casa familiar para ordenar las pertenencias de su hija. Mateo encontró puntos de contacto con el papel, pero evitó convertirlo en una confesión personal. Su trabajo consistió en imaginar qué ocultaba Julián, qué deseaba recuperar y qué no estaba dispuesto a admitir.

Para construir esa interpretación consultó ejercicios de observación, improvisación y memoria sensorial. También descubrió recursos prácticos en esta guía para crear un personaje, especialmente la importancia de definir objetivos concretos en cada escena. “No basta con saber quién es el personaje; hay que saber qué intenta conseguir en ese momento”, explica.

Su experiencia vital no sustituyó la técnica. Le dio materiales, pero tuvo que aprender a administrarlos. La respiración, la dicción, la relación con el espacio y la escucha de los compañeros fueron habilidades nuevas que practicó con disciplina. El debutante comprendió que actuar no era contar la propia vida, sino ponerla al servicio de una vida inventada.

El cuerpo también cuenta una historia

Una de las mayores dificultades fue aceptar que el cuerpo escénico no funciona como el cuerpo cotidiano. Caminar unos metros frente al público, girar en el momento preciso o permanecer inmóvil durante una réplica exigía una conciencia distinta. Mateo empezó a registrar sus movimientos en vídeo para identificar tensiones que no percibía durante los ensayos.

Con el tiempo entendió que la edad podía aportar matices físicos al personaje. La lentitud de Julián no era una limitación que debiera ocultarse, sino una manera de mostrar cansancio, prudencia y memoria. Cada desplazamiento tenía un significado dramático, siempre que estuviera sostenido por una decisión.

El actor también habla de la voz. Al principio bajaba el volumen cuando la emoción crecía, un hábito frecuente en quienes no están acostumbrados a proyectarse. Los ejercicios de resonancia y articulación le permitieron conservar la naturalidad sin perder claridad. Para él, dominar la voz fue una forma de recuperar espacio.

El azar, la disciplina y el miedo

Mateo compara el proceso de estrenar con entrar en un juego de probabilidades, aunque aclara que el escenario no depende de la suerte. Antes de cada función existe una preparación rigurosa, pero en directo aparecen imprevistos: una reacción inesperada, un ruido externo o una palabra que llega con otro sentido. Esa combinación entre control y riesgo mantiene viva la representación.

En sus días de descanso, incluso se interesó por dinámicas basadas en decisiones rápidas y azar, como la ruleta en línea. No las confunde con el trabajo actoral, pero reconoce una semejanza: la necesidad de mantener la atención cuando el resultado no está completamente garantizado. En escena, sin embargo, la responsabilidad siempre recae en la escucha y la preparación.

El miedo no desapareció con el estreno. Cambió de forma. Ya no teme tanto olvidar una frase, sino desconectarse del compañero o interpretar una emoción de manera superficial. Esa preocupación, lejos de paralizarlo, lo mantiene atento a lo que sucede en cada función.

Palabras que se convierten en presencia

El texto de la obra tenía una densidad especial. Muchas escenas estaban construidas a partir de frases cortas, repeticiones y silencios prolongados. Mateo tuvo que aprender que decir menos podía producir un efecto más profundo si la palabra estaba acompañada por una acción clara.

En ese proceso descubrió la relación entre teatro y poesía, donde el lenguaje deja de ser una simple transmisión de información. La lectura de estas notas sobre teatro y poesía le ayudó a observar el ritmo, las imágenes y el peso de cada pausa. Desde entonces marca el texto de una manera distinta: no subraya únicamente las palabras importantes, también identifica respiraciones y cambios de energía.

Para el actor, una frase bien dicha no necesita sonar grandiosa. Puede ser cotidiana, incluso incompleta, siempre que revele una intención. “El público percibe cuándo una palabra está viva y cuándo solo se está pronunciando”, afirma. Esa idea se convirtió en uno de los principios de su entrenamiento.

Aprendizajes del primer estreno

El debut le dejó certezas concretas, pero también preguntas artísticas que todavía lo acompañan. Mateo no habla de convertirse rápidamente en un intérprete profesional. Prefiere describirse como un actor en formación, alguien que ha encontrado una práctica capaz de ordenar su sensibilidad y ampliar su manera de mirar.

Entre ensayos y funciones, identificó varios descubrimientos que cambiaron su relación con el escenario:

• La escucha es tan importante como memorizar el texto.
• La pausa puede expresar conflicto, ternura o resistencia.
• Un error no siempre rompe la escena; a veces abre una posibilidad.
• La experiencia personal necesita transformarse para volverse ficción.

También reconoce que el grupo fue decisivo. Sus compañeros más jóvenes le enseñaron recursos digitales y nuevas formas de ensayar, mientras él aportó paciencia, referencias y una percepción menos apresurada del tiempo. La mezcla de edades creó una dinámica de aprendizaje mutuo.

El éxito de una función, según Mateo, no se mide únicamente por los aplausos. Importa si el elenco consiguió construir un espacio de confianza y si el público salió con una imagen, una emoción o una pregunta interior. Esa medida le parece más valiosa que cualquier etiqueta profesional.

Un escenario abierto para nuevas edades

La presencia de actores mayores en escena amplía los relatos disponibles. Durante mucho tiempo, muchos personajes de edad avanzada aparecían como figuras secundarias, familiares o espectadores de la acción. La trayectoria de Mateo demuestra que también pueden ocupar el centro, desear, equivocarse, seducir, cambiar de opinión y sostener conflictos complejos.

Él insiste en que no quiere ser presentado como una excepción heroica. “No hice algo extraordinario; encontré una puerta y decidí cruzarla”, dice. Su historia resulta inspiradora precisamente porque no borra las dudas ni convierte el debut tardío en una fórmula de superación instantánea.

Para quienes sienten curiosidad por la interpretación, recomienda empezar cerca: un taller, una lectura colectiva, una función comunitaria o un curso de voz. El primer paso no tiene que ser perfecto ni público. Puede consistir en leer en voz alta, observar una escena y atreverse a probar otra manera de estar presente.

Hoy Mateo continúa ensayando una nueva obra y conserva el ritual de llegar temprano al teatro. Revisa el espacio, toca el respaldo de una silla y respira antes de saludar al equipo. A los setenta años descubrió que debutar no significa llegar tarde, sino entrar por fin en una conversación que siempre estuvo esperando.

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